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阿尔瓦尔·巴拉苏巴马廉:关于存在与消失的艺术

阿尔瓦尔·巴拉苏巴马廉(Alwar Balasubramaniam)是印度的雕塑艺术家。他的作品主题主要表现的是那些易于被忽略,不可见的以及不可表达的事物。他的作品也因此充满了很多哲学意味,就像他这次的演讲,可以引发很多思考。通常来说,因为我们的感知有限,因此我们不可能认识所有的事物。而为了更可能的认识事物,我们更应该去关注那些没有留下痕迹的事物。正如我们看见别人走路留下的足印,如果我们只是单纯的去分析这些足印的话,我们将一无所获。因为真实的旅行是发生在这些足印之间的,足印只是意味着流失的时间。

TED.Com: Alwar Balasubramaniam: Art of substance and absence

他的很多作品表现了他追逐事物发展的痕迹。他追逐着人的痕迹,指纹和足印的痕迹,甚至火焰和阳光的痕迹。而为了能感知看不见的事物,他使用了一种叫做odonil的空气清新剂,它可以将固体转化为蒸汽。他用这种材料雕刻了一系列作品,所有的作品在几个月后都转化为蒸汽,几个月前还存在的雕塑作品已经消失。但他觉得,这种汽化并不代表事物的消亡和灭绝,而是让这些事物重新与环境融为一体。雕塑通常都将材料聚合在一起,但是却从来没有将材料还回世界。然而,他又做了一系列相反的物体,这个被称为《出现的天使》的作品,实际上是将普通材料所做成的天使塑像放入odonil固体内部,15~20天后,因为odonil的汽化,天使的面容渐渐出现。

他的另一系列作品也包括对光、重力以及电的感知。为了让雕塑实现对空间的感知,他雕塑了三件作品,第一件是一个普通的盒子,它投射出影子;第二件是影子的影子,它将不可见的世界引入可见的世界中;第三件是影子的影子的影子。

我想到了我的一个朋友,他是今年的TEDGlobal Fellow, 他叫Joey Ellis。他是一位在北京工作的美国雕塑艺术家。2009年,他成为第一名毕业于中央美术学院的美国留学生。他的艺术理念是,以局外人的角度,用当地的材料以及制作工序产生艺术中的新观念。与阿尔瓦尔的看法相似,他觉得身为在中国的局外人,有很多限制以及界限,但是在这些界限之间,存在着无限的可能性。

阿尔瓦尔认为,我们真正应该去探索的是人所留下的足印之间的东西,因为那才代表着真实的行程;Joey认为,我们应该去探索所有界限之间的可能性,就像中国古老的七巧板游戏,它有7片不同的形状,但是却有六百万种拼凑方式组成不同的形状。雕塑艺术的本质就是让所有凌乱的材料通过人的创造力实现新的重生,而这种重生具有无限的可能性。

而与阿尔瓦尔用odonil制作消失的雕塑相似的是,Joey曾经使用来自黄河,长江和印度恒河的水,让它们结成冰,并雕刻出100个小孩,于2009年的夏天在地坛展出。它所体现的主题是全球变暖。所有的冰在一个月之后也都融化和消失。

Wednesday@TEDtoChina专栏组稿人: 程涵(Ellen Cheng)

Ellen于2009年从北大毕业,拥有国际关系和经济学双学位。毕业后,她去印度进行了三个月的实习,从事国际贸易以及技术教育的工作。此后回到北京,目前在一家新成立的教育咨询公司工作。她喜欢各种各样的音乐和阅读,喜欢历史学和政治学,如今更着迷于TED。她对TED推崇的知识共享以及思维解放的理念产生了强烈的认同。她曾经组织过TEDtoChina在北京的活动,并计划在北京发起更多TED相关的活动。

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塞尔玛·金:艺术如何塑造文化改观

本文作者:Phyllis Tang。

Phyllis现就读于中国人民大学金融专业三年级。今年年初接触TED,深深被TED资源共享和鼓励创新的理念打动,并从许多TED演讲中受益良多。在生活的闲暇里喜 欢读书、旅游和一切美的东西,对于新事物抱有永恒的好奇心,相信通过个人微小的力量也可以使我们生活的世界变得更好。

塞尔玛.金(Thelma Golden)从小便发现了自己对于艺术史领域的强烈兴趣,12岁时就开始寻找和定义自己理想职业的类型——博物馆馆长,并很早为此打下了基础。1991年大学毕业之后,塞尔玛.金供职于惠特尼博物馆。她是1993年惠特尼双年展的共同策展人,这次展览展出了大部分由女性及有色人种艺术家创作的政治性议题作品,在当时引起了公众的热烈讨论,是一次具有里程碑意义的展览。塞尔玛.金声名鹊起于1994年独立策划了惠特尼博物馆的“黑人男性(The Black Male)”展览,由于展览巧妙而精细的创意(从不同角度引起争议和讨论),她“强大而勇敢的策展人”形象得到再一次的确认。2005年塞尔玛.金成为哈莱姆画室博物馆的执行董事,并致力于使哈莱姆画室博物馆成为发掘非洲裔艺术家的重要机构。塞尔玛.金非常关注年轻艺术家,与此同时通过哈莱姆画室博物馆在哈莱姆以及全世界收集艺术创作、鼓励艺术创作。

Thelma Golden: How art gives shape to cultural change

在这次关于艺术如何塑造文化改观的演讲中,塞尔玛.金向我们讲述了自己对于艺术社会功用的思考。她认为作为一个博物馆馆长,责任不仅仅在于去发现已有的画作,而更应该鼓励关于自身的思考,思考展览作为平台可以提供什么,进而在这个平台上去探讨美、去探讨力量、去探讨我们自身,促进彼此之间的交流。正是在这种理念的指导下,她策划展出了1994年惠特尼 “黑人男性(The Black Male)”展览,关注在当代美国艺术中种族与性别的交集,并有意在探索艺术通过何种方式为人们提供一个更为广泛对话的平台。展览汇集了超过20名各种族的艺术家,他们均对于黑人男性这一议题有着自己独特的见解,借助自己独有的表达方式进行交流和对话。成功策划“黑人男性”展的经验使塞尔玛.金对自己的角色以及艺术和博物馆的功用有了不一样的认识——策展人应作为发起一场艺术对话的媒介,博物馆则是开展艺术对话的场所,更是艺术家与社会改革的媒介和输出机构。带着这样的思考,塞尔玛.金开始了在哈莱姆画室博物馆的工作。哈莱姆画室博物馆主要收藏当代美国非裔艺术,是非裔美国艺术家们留下的重要遗产,也是公众了解美国非裔历史的重要窗口。在哈莱姆画室博物馆,她和一起工作的年轻黑人艺术家们试图探索黑人艺术文化运动在21世纪新的可能性,思考黑人艺术文化运动对于现在存在的文化运动新的意义。这样的思考以近期举办的一系列展览的形式展开,这一系列展览发现一些现在活跃在艺术界的年轻的黑人艺术家们,塞尔玛.金赋予这群艺术家一个新的名字——“后黑派”——他们一边回顾历史一边在这一历史性时刻开始工作。这一系列展览尝试质疑一个想法,即现在把艺术看作媒介在现在这个历史时刻有什么新的意义?

在现今关于非洲大陆在21世纪将对世界发挥何种作用、产生何种影响讨论越来越多的这一背景下,通过艺术的形式探讨种族议题、通过艺术作品提供新的思考空间甚至于通过艺术和艺术家的表达去想象一个未来的图景,在塞尔玛.金看来是艺术塑造文化的主要形式,也是迄今为止哈莱姆画室博物馆工作的愿景所在。

Wednesday@TEDtoChina专栏组稿人:Ellen Cheng。

Ellen于2009年从北大毕业,拥有国际关系和经济学双学位。毕业后,她去印度进行了三个月的实习,从事国际贸易以及技术教育的工作。此后回到北 京,目前在一家新成立的教育咨询公司工作。她喜欢各种各样的音乐和阅读,喜欢历史学和政治学,如今更着迷于TED。她对TED推崇的知识共 享以及思维解放这样的理念产生了强烈的认同。她曾经组织过TEDtoChina在北京的活动,并计划在北京发 起更多TED相关的活动。

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大卫·拜恩:对音乐演进的另一种诠释

大卫·拜恩(David Byrne)是乐队Talking Heads的核心人物,这支乐队是美国新浪潮(New Wave)音乐中最有影响里的乐队之一。乐队的经典专辑《Remain In Light》不仅将后朋克推进到了一个更多元化发展阶段,也重新定义了新浪潮运动之后的舞曲形式。大卫·拜恩也在世界音乐、电影制作和艺术表演等领域进行了不同的尝试。

在这次TED的演讲当中,拜恩用自己多年来对音乐的领悟,得出了一个结论:其实音乐的演进还与时代的脉搏紧紧相连。

他列举了世界范围内的多种音乐,从非洲音乐到巴赫的管风琴,再到瓦格纳为自己修建的歌剧院,一直到20世纪风行的爵士乐。每一种音乐都与自身所处的环境息息相关。音乐不再是音乐家一个人的事情,它关乎着所有的人,音乐所诠释的情感与快乐跟随着时代和社会的步伐。

TED.com: David Byrne: How architecture helped music evolve

拜恩首先让观众聆听非洲音乐Welenga,这段音乐的一切,从旋律、乐器、演奏方式、舞台布局到背景都配合得完美无缺。非洲作为现代所有音乐的起源,将音乐与环境交融的完美。

哥特式的教堂给予了英国文艺复兴时期的作曲家托马斯•塔利斯(Thomas tallis)灵感,他将自己对上帝的赞美布局在哥特式的教堂中,使音乐变得更美。而巴赫和莫扎特创作乐曲的房间没有教堂那么宏大和空旷,所以他们得以写出更加精致和复杂的歌曲。而后来,瓦格纳却为自己修建了歌剧院,并且扩大了管弦乐演奏的舞台,并放置了更多的乐器。这些伟大的音乐家将自己的创作与所处的时代紧紧地结合在一起。

20世纪兴起的爵士乐开始在很嘈杂的地方表演,演奏家们开始尝试即兴创作,并取得了巨大的成功。 而随着技术的进步,麦克风也改革了音乐,歌手和作曲家得以通过麦克的作用,让声音直接进入了人的耳朵。电子的作用让人们得以变换自己感受音乐的环境,而得到不同的感受。

这个时候,音乐也不断地分立,各种音乐随之诞生。音乐出现在迪斯科舞厅,也现身于酒吧中的自动点唱机,人们开始应景为这些地方创作新的音乐。音乐演奏的形式也开始多样化,有现场音乐,也有录音乐。现场音乐在体育馆里面找到了自己的归宿,体育馆的现场音乐演出已经慢慢沉淀出了社会的意义。直到现在,已经有越来越多的场所,在汽车里,在MP3播放器里,音乐已经融进了越来越多的空间之中。

拜恩觉得,与其说这是音乐创作的创新,不如说是音乐本身在适应不同的环境。音乐伴随着时代的变迁进行着自身的变化,而作曲家,演奏家,歌唱家,听众以及所有的人都能在这种变化中寻找到时代的足迹。

就像自然中的鸟一样。如果是丛林深处,鸟的叫声会相对高亢和短促,并且不断重复。而其它地方的鸟的叫声又显得较低。如北美金翅鹊嘁嘁喳喳地喧嚣,才能穿过田野和平原。其它一些鸟,如唐纳鹊,则会根据丛林的密度选择自己的叫法。

我们在不同的画廊摆放不同的画作,在不同的操作系统编写不同的程序,而我们也在不同的环境下创作着属于那个时代的音乐。在传统的观念之中,音乐应该是先有激情,然后才有快乐。而拜恩觉得,激情与快乐实际上是共生的,在不同的时代,我们用不同的音乐语言去诠释着相同的激情与快乐。而音乐本身,并不只是单纯的个人行为,它已经因为其所处的历史而被赋予了更多的社会意义。音乐或者各种其它艺术形式的创作,与时代演奏着最完美的和弦。

TEDtoChina今日演讲周三项目主要关注设计、创新以及艺术的话题。如果您有关于这方面的一些想法,或者希望加入周 三栏目的撰稿,请联系:Wednesday[at]tedtochina.com

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拉格夫·K K:艺术家的五次生命

拉格夫·K K(Raghave K K)是出生于印度班加罗尔的画家,他的演讲真实,诚恳,并且极富感染力。他对世界的看法以及他所有的经历都依照自己的内心。他用自己的画笔讲述着自己的生活,而让我们的心随着他的画笔一起跳跃。 他用自己的经历告诉我们,生活可以重新开始。人生的起落并不是最重要的,最重要的是我们应该对生活保持热情,并且有勇气去踏上新的旅程。

他从他在学校的作画开始讲述。小学二年级的他临摹米开朗基罗作品的半身像被发现,被校长批评。但却因为在九年级的时候画学校老师的漫画肖像而称为学校的英雄。直到后来他退学,他开始专职画卡通画。他为任何人任何事作画,为生日,为结婚,为离婚。而他也在画画当中变得更自然纯真,并且创办了一所绘画学校。 而后来,一个姻缘巧合的机会,他得以为当时的印度总理画了一幅漫画肖像,并由此得名,为很多名人作画。但却因为911的一幅画招致上百封愤怒的邮件。拉格夫因此退出了美国的卡通画家组织。由此,他明白了艺术的责任。

一位意大利出生的画家给了他画油画的灵感,那位画家将他引入了更深入的有关艺术和生命的思考。他开始尝试油画,并由此开始了新的生命旅程。当他画舞蹈家的时候,就跟着他们学跳舞,并结识了弗拉门戈舞者Pepe Linares。但他又发现,虽然画中人在跳舞,但他的画本身不能跳舞。凌晨两点的时候,他有了一个疯狂的想法:他在他朋友的身上作画,并让她们跳舞,由此他赋予了他的画以生命。 后来,拉格夫开始与不同的人展开合作,并且在合作的过程中开始尝试涉及服装设计。

拉格夫也提到了自己的婚礼。他坦言自己的婚礼是一个艺术展览,所有的人,包括时装设计师,装置艺术家,模特化妆师,珠宝设计师都来帮助装扮婚礼。他和妻子相爱,因此婚后一段时间特别幸福。但后来不幸地是,妻子的重病以及家庭的负担让拉格夫的人生观变得阴暗,并开始探索人性的黑暗。他的作品也开始转向自传性质。

直到后来,他有了自己孩子,发现了生命新的起点。他搬到了纽约,并且绘画风格也由此改变,作品更加异想天开。他也希望将自己对艺术的热情去感染更多的人。他的画不断地在挑战着生命的不确定性,而生命的不确定性也在不断地给他的画更多的灵感。拉格夫用自己的经历告诉我们,只要对生活充满热爱和激情,每个人都能发现美,发现爱。

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全美首位黑人女宇航员梅·杰米森博士:科学与艺术并非对立面

今天Thursday@TEDtoChina专栏发表的是自由撰稿人龚钦的稿件。她向往能背上背包,去很多不同的地方看看,做更多有意义的事情。三年前,龚钦高中毕业来到澳洲学习,对于国内和国外不同的教育方式颇有感触。她发现,很多人认为科学与艺术是两件并无关联的东西,就像一枚硬币的两面,甚至于看见一名艺术家与科学家聊天会惊讶,他们之间有什么可谈论的呢?在2002年TED峰会上,第一位遨游太空的女飞行员梅·杰米森博士(Mae Jemison),针对这一现象发表了相关演讲。

Thursday@TEDtoChina专栏
Thursday@TEDtoChina专栏现在由我们的团队成员李君(Li Jun)负责策划与统筹。

李君(Li Jun)是一间信息咨询公司的联合创始人,并在筹备她的第二间公司。她也是《Vogue》杂志中文版专题撰稿人。在此之前,她服务于一间私募股权投资公司,从事媒体、互联网、高科技、教育等行业的投资工作。她目前居住于上海,热爱阅读、写作、科技、美食和一切美好的事物。
如果有你兴趣在Thursday@TEDtoChina发布稿件,请发邮件至Thursday at TEDtoChina dot com

杰米森博士是一名天文学家、医生、艺术品收藏家,还是一名舞者。她生于1956年10月,在弥漫着嬉皮士风的60年代度过了童年。当时,一部风靡各地的科幻剧《星际迷航》,燃起了她对浩瀚无际宇宙的探索热情。从那以后,她一直幻想着会与星际宇航员柯克船长一样,驾驶着太空船意外降落在一个奇特的星球上。后来杰米森博士赴斯坦福大学就读,成为黑人学生会的主席。旁人都以为她会选择政治学或者艺术类的专业作为主修,但出人意料的是,她醉心于化学工程、逻辑学、光谱学,甚至核磁共振的研究。毕业后,杰米森博士成为了美国和平队在塞拉利昂和来比利亚的医疗官员,联同美国疾病控制中心与全美卫生研究院,帮助当地贫民。1987年,她作为科学任务计划专家,被美国太空总署选中参与了STS-47宇宙空间实验室计划。1992年杰米森博士成为了首位进入太空的美国黑人女性。与此同时,她并没有放弃她所热爱的舞蹈。

杰米森博士本身就是融合艺术与科学的代表,彷佛天平女神的左右手。如果你看到她如何在舞台上精心编排舞蹈动作,不断地调整灯光与服装造型设计,也许你会很难想象她就是那个在课堂上滔滔不绝地谈论双子星、阿波罗登月计划、大爆炸理论,阅读数以万计的天文学理论书籍的杰米森博士。她就像一名十字军战士,不断推广着科学与艺术、直觉与逻辑的融合教育。

《爱丽丝梦游仙境》中的柴郡猫总是微笑着对爱丽丝说,如果你不在意走向何处,那无论选择哪条路都是一样的。在演讲中杰米森博士并不这么认为。她说,“有任何社会使命感的人都不会同意胡乱的决定,因为2015年、2020年、2025年的社会,将是在建立并扩展于我们今天的思想与研究之上进步的。”在杰米森博士看来,正如在2002年TED峰会上时,无论是网络、基因工程、导弹工程、光导纤维还是高清电视,人类所有的畅想都基于50、60或是70年代的研究。所有这些毫无疑问是在前人的基础上衍生出来的。

请原谅我的怀疑,我们是否意识到落后,却没能逃脱出前人思想的框框,反而被其束缚?著名心理学家弗朗兹·法侬(Frantz Fannon)曾说过,每一代人在传承发扬先人思想的基础上,还必须找到本身的目标。对于我们来说,目标就是积极促成科学与艺术的融合。因为很可惜,在现实生活中,在几百年的教条思想传播下,人们会自然而然认为他们是分裂的。

科学家很难被认为是有创造力的,他们孜孜不倦的分析着数据,终日与实验室为伍。他们当中也许有很多有天分的人,但是他们的工作就如同黑白照片,毫无吸引力可言。艺术家们则恰恰相反,他们的工作富有热情,如同毕加索笔下色彩斑斓的抽象画,但是这是与分析力,严谨性丝毫搭不上关系的事情。在这种分裂法的诱导下,创造力与分析力变成了鱼与熊掌不可兼得的东西。也许只有真正的天才才能摒弃这些世俗观念,脑海中不断徘徊着为什么我们不能同时拥有这两样的疑问。


TED.com: Mae Jemison on teaching arts and sciences together

从太空舱返回地球之后,有记者询问杰米森博士随身带去了哪些东西。杰米森博士透露,自己带了三件意义非凡的东西,陪伴她度过了太空舱内的190小时。一件是她喜爱的舞蹈公司录制的朱迪斯·詹米森(Judith Jameson)的舞蹈《哭泣》,一件来自塞拉利昂的可以献给所有黑人女性同胞的雕塑作品,最后一件是芝加哥公立高中的学生们颁发给她的证书,以感谢她帮助改善科学与数学学科的课堂教学。“我随身携带这些物品的原因很简单,因为所有这些需要的创造力并不亚于我们孕育、建造、发射一个空间站所需要的能力。”

对杰米森博士来说,科学与艺术并不是一枚硬币的两面,也不是一个立方体的不同面,仅仅是表现事物的不同方法。科学是我们日常生活中规律的总结,艺术则是个人情绪经历的迸发带给世人的共鸣。就如同爱因斯坦所说的,这些神秘的未知是我们所能经历的最美好的东西,这就是艺术与科学的来源。

杰米森博士还为成就做了一个公式:对事物的理解+资源的合理利用+对目标的专注=成就。对事物的理解就是我们所学习的科学与艺术,我们的宗教信仰,我们如何看待所生活的世界。资源的合理利用指的是我们的钱财,劳动力与原料。对目标的专注,指我们对未来志向,对梦想追逐的热忱。对我来说,设计与工程、精湛的手艺与纯熟的技艺,是保证人类生活的基本条件。最后,杰米森博士引用批评家弗兰•赖博维茨(Fran Lebowitz)的话结束了演讲:关于伟大的设计只需问三个问题,它是否有吸引力,是否有趣,以及两者是如何平衡的。

相关链接

DS+R建筑设计事务所网站

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保拉·安特那利:设计即艺术

在许多人的脑海中,设计就等同于装饰,是可有可无的东西。但事实到底是否真的如此?来自纽约现代艺术博物馆(英文简称为MOMA,下同)的策展人保拉·安特那利(Paola Antonelli,我们之前也曾介绍过她的另一个TED演讲)可以告诉你,答案显然不是这么简单,且看以下的这个演讲:

演讲视频:http://tr.im/Bc2o
中文翻译:孟澜婷
校对:Tony Yet

我们中间信仰上帝的人都有关于一些天堂是什么样的猜想。在我看来,天堂就是得到满足的好奇心。我把天堂想象成一朵非常舒服的云朵,我可以躺在上面,肚子向下,胳膊肘向上撑着脑袋,就像小时候看电视一样。我可以欣赏任何我想看的地方,看每一部我一直都渴望着看的电影。有的时候在纽约的地铁上,你也会同样感受到这种着迷的感觉,在你阅读的时候,你会感觉到一些相当怡人轻松的东西。

演讲视频:

Paola Antonelli: Design as Art

有趣的是,从某种程度上看,我已经拥有了这种生活。因为我发现了,当然这花了一段时间去搞清楚这点。当我在24岁的时候,我发现,我和艺术品在一起比跟人在一起感觉更好。而后我决定要利用这份热情。我基本上生活在一种沉醉于万物的状态中。而当我环顾四周时,我看到的一切都仅仅是一个长长的故事的开端。

给你们举个例子吧,2004年MoMA举行了名为“谦虚设计”的展览(后来这次展览还被整理成书出版了——编者注)。当时我们在皇后区,我们在市中心建一幢很大,很大,很大的建筑,所以我们在一个很小,很小,很小的偏僻地区。那是我事业中最有趣的时刻之一。

不仅仅如此。还有字体,Helvetica字体。今年是Helvetica字体诞生的50周年。因此我开始想:Max Miedinger以及其他所有的瑞士设计师一起,试图超越Akzidenz Grotesk,设计出一种新的无衬线字体。电影已经开始在我脑中播放了。当然了,你可以想象“ 谦虚设计”,这是相同的一件被复制了上百次。而与此同时,我确实希望,这个展览的真正目的会在你们身上产生相同的影响。

展览旨在成为一种来让孩子们思考他们所做的事情的方式。他们在家里做作业的时候,我很希望他们能够走进厨房看看橱柜,或者他们母亲的手袋,来做博物馆级的设计收藏。而不是拿两个黄豆在盘子上玩。

因此每个人都一直在提议设置新的“谦虚设计”。在MoMA我们放了很多书在那,仅仅是为了让人们就他们眼中的“谦虚设计”给出建议。而当你做这个的时候,通常呢,你得到的80%的建议都是和色情有关的,只有20%是真正的建议。但是当然所有的建议都是好的建议。

而爱国热情也在那个时候流行起来。比如说,我之前并不知道是西班牙人发明了拖把,但是他们非常自豪。因此每个西班牙人说“la frego”,而意大利人发明了披萨。但我想给你们看的是,同样来自肯塔基的非常好的建议:他们有私酿酒,洗衣液,以及液订钉。

继续,我刚刚得到了-(笑)-这个来自米兰的提议:是我们的交通分隔物,我们叫做panettone, 它是上了漆的。你知道,这些漂亮的混泥土做的东西是在米兰被用来定义交通线路的。因此想象你们自己国家的东西吧,把他们告诉我们,他们永远是受欢迎的。

但是这样的一个展览让我学到的比我进入MoMA工作后,思考的13年里学到的还要更多。我是意大利人,在意大利,设计随处可见。要知道,不同的地方的人对事物的喜恶是差异甚大的。前不久我在阿根廷和乌拉圭,在这些国家建造房屋的有缺陷的方式是你在别处无法看到的漂亮的现代主义,但是现代艺术真的很吓人。

在意大利,特别是在米兰,现在艺术其实并没占据多大席位。但是设计呢-我的天!不用去高级商场,你在随便的一个商店的拐角处发现的,是精致的设计让每个人都以为我们的设计如此精致先进。这还仅仅是你在商店里面发现的东西。

而纽约对现代艺术有着另一种偏好。我对此一向非常吃惊。三岁的孩子知道Richard Serra是谁并且还会带你去艺术展览。但是设计呢,处于某种原因,却仍被误解为用做装饰。这确实非常有意思。当我提到“设计”这个词的时候,很多人想起这是一种过度设计-在这个例子中,确实是故意过度设计,但是装饰,室内装饰,他们就想起是某个人在挑选建筑材料。

当然,你可以那样子去理解设计。但它也可能是在耶路撒冷的一个设计学校为了找出一个更好的方法来为人们设计防毒面具。以色列给每个人包括婴儿配置了防毒面具。因此,这些设计家所做的就是找到一个方法来降低领口,这样的话像青少年就可以同时吸着可乐了,而不是被勒的喘不过气来。当地人这样设计婴儿的防毒面具是因为这样的话婴儿可以被其父母保护着,因为身体的亲近是如此重要,然后他们能为孩子做个小的帐篷。不管你觉得这有多么的粗浅和简陋,这确实是一个非常好的设计。虽然这和设计奢华家具相距甚远,但却是我的激情所在。(innovation from constraint, maybe?——编者按)

我从始至今在MoMA做的是试图利用MoMA的能力。因为能在那里工作实在是太棒了!你真的有能力,这种能力能让人们知道你的展览或者来观看。而这种力量,因为是在一个设计博物馆,我不可能有太多的游客。我非常清楚观光客中的80%都是去那看毕加索和马蒂斯。要是他们刚好来到我们的展区并驻足观看的话,我就设法将他们留在那里。

但是我一直在尝试做的也是我的部门的MoMA的策展人自博物馆1929年建立后一直在做的东西,也就是尝试着发现世界上正在发生些什么,并且利用设计的威力使得事物变得更加美好。那有着很多的例子。实际上,Eames Demetrius可能现在正坐在观众席里。但是从他的曾祖父还有祖父的例子来看,哦,我总是搞不太清楚这一关系。但是,Charles Eames第一次,接着Charles和Ray Eames第二次都参加了2个比赛。一个是在1940年,这是关于有机家具的比赛。而第二个比赛是在1948年,是为从战场归来的美国兵们设计低成本的家具,而这也激起了一整条家具生产线的火热。那个时候就有了非常低价的优秀的设计。在建筑学和设计学上出现了很多关于“设计让生活更美好”这样的导向的项目。

所以呢,我从95年开始就开始从事这个被叫做“创新材料与当代设计”的展览。这是一个新的阶段,在我看来,在设计界,材料可以被设计家们所应用。而这也让我接触到了多样的设计例子,比如加州Lawrence Livermore实验室的气凝胶。那时,这些产品才开始被推广进入市场。同时,Takeshi Ishiguro的很棒的作品也问世了,他用大米面团做成了这些漂亮的盐罐和胡椒罐。所以,你们看,这些设计涵盖的范围是相当广的。

另外举例说说2001年的另一个命名为“工作环境”的展览吧,在那我请不同的设计家们就那时世界上新的工作风格想出点子来。你们看到的上面那个是IDEO设计的,很漂亮,它名字是“个人天空”。这一构思是假设如果你有一个小卧室,你可以在你的头顶上按上一片天空,那你就有了你自己的“Cielo in Una Stanza”一片天空。这是一首非常有名的意大利歌曲。

其他的例子也不胜枚举。Marti Guixe关注的是在上班途中怎样工作。Hella Jongerus,我最喜欢的设计家,关注的是如何在家里工作。而这不禁让我想要介绍一个关于设计的非常重要的理念给你们。设计家是世界上最大的合成家。他们所做的出彩之处就是将人类需求、以及现在在经济、材料、可持续性问题上的现状结合考虑问题。而他们最终做的,如果是好的的话,远远优于部分的集合。

Hella Jongerius是能将合成做的很好也很有趣。她工作的理念是- 你知道,当每个人都在说“你真的需要把工作休闲分开”的时候,相反的,她却在说“不不,工作和休闲可以共存的。”真的,这多棒啊,这就像是2001年的流行的电视餐一样。

虽然还有很多其他的展览,但我不想完全只关注我的展示。相反地,我想谈谈一些伟大的设计家们。我一直都对独行者(maverick)这个词颇为不解,你知道,13年前我来到美国了,知道今天,我还在问,这是什么意思呢?所以今天早上,我翻开字典,上面讲到曾经有位绅士没有喂他的牛,因此他就没有随其他人的大流。因此,他就是个独行其事者。由此可见,设计家们的确需要成为独行者,因为设计一件物品,以及对于一个我们以前丢失了的物品来说,最佳方式就是当它从来没存在过或者相信人们用上这一新品之后会有新的行为。

因此,“安全”是我在MoMA做的最后一个展览。它在去年年初结束了,这一展览是处理安全以及保护的设计。说来话长,因此它在2001前就开始了,当时它叫做“急救”。而当时正好9/11事件发生了,我不由得一惊,随后我便取消了展览。直到慢慢地,这一展览又回来了,像一盛满水的玻璃杯而不是半满的水杯,它是关于保护和安全的。

展览的范围从完整的一套清雷设备到水质净化消毒管道。因此,非常广泛的。它同时也有,你知道,我和Cameron在一起的合作。你们在他的网站上看到的一些东西确实也在展览中出现了。

有趣的事情是我们并不需要再讨论设计和艺术了。但是设计是使用它所能用到的一切工具来说明一个观点。这是一种经济启示,也是一种幽默感的体现。

这是来自南非的Ralph Borland的一件非常漂亮的设计。这是一个为非暴力反抗设计的外套。设计的理念是当你在参加暴动以及反抗时,警察靠近你了,你正穿着这一外套。它看起来像一颗巨大的心脏,而它在你心脏的位置有一个扩音器,这样你的心跳声就被放大了。而警察也被提醒,就像一朵鲜花在来复枪口前一样。而且,你可以想象,当一群人都穿着这样相同的外套时,集体的心跳声会吓到警察。

你知道,设计家们有时并不制作一些有即刻功能性的事物,但是他们对于我们对事物的理解力却非常有用。Dunne和Raby,也就是Tony Dunne 和Fiona Raby设计了一系列可以反映我们的痛苦和妄想情绪的物品。像这种可以隐藏的家具一样,它是用和你地板一样的木材制作的,因此它可以完全消失不见,你也可以把它藏起来。而更好的一个是这个喜人的原子蘑菇云,这个发现也让我有幸在美国《原子科学家公报》上发表文章。在MoMA工作前这是不可能发生的。而这把法拉第座椅可以保护你避免辐射的侵害。
但是展览中有趣的事是发现最终庇护物就是你的自我意识。已经有一些设计家开始在这个特殊的领域上工作。来自荷兰的设计家Cindy van der Bremen, 为穆斯林妇女设计了一系列的专用运动服,可以让她们能滑雪,打网球,做任何她们想做的运动,而不用担心暴露自己。

有的时候,做这样的工作让你有机会发现极好的设计理念。Twan Verdonck非常年轻,我猜他可能也就27岁吧。通过与心理学家合作,针对有心理缺陷的孩子,他制作出一系列玩具可以对他们起到知觉刺激作用。这些玩具真的棒极了。这个毛绒玩具,好像要抱着你一样,而有孤独病的孩子都喜欢被紧紧地拥抱,因此这一玩具里面装有弹簧还有镜子,这样孩子们就能从镜子里看到自己,重新获得归属感。

设计其实是从不同的领域角度来看待整个世界。前不久,我在土耳其参加了一个关于奢华品的会议,这是由《国际先驱论坛报》组织的。有意思的是,正好我是最后一个发言者,而在我之前,有很多人确实在谈论奢侈品。我并不想成为一个在聚会上扫兴的人,可是同时我又感觉到我不得不把演讲拉回现实。事实是奢侈其实有很多种,对于没有拥有太多奢侈的人们来说,奢侈是相对的。为了说明这一点,我会举两个例子,他们的灵感都来自于经济学。这个是在古巴,这是一个可循环的吱吱叫的自行车铃的玩具。而这个呢,是用大米袋子做的雨衣。他们都很漂亮,但是他们的漂亮源于他们的设计是如此的灵巧经济。

现在看到的是来自圣保罗的两兄弟Fernando和Humberto Campana的作品。他们受到其身边的贫困和智慧的启发,然后制作了一件件家具,现在卖出了一大笔钱。而这也正是市场本身的不可思议之处。

说真的,设计包罗万象。有趣的是,随着技术的进步,当我们变得越来越无线化和无形化的时候,设计家们却想让我们能实地做些事。有时候,设计师还会让你拿起大锤。你看,这一套家具需要你动手才能用。即使是这把椅子,你也需要自己打开再坐在上面,这样它就留下了你的烙印。这一系列的物品都是都是巴塞罗那的Ana Mir设计的。他的作品从用人的头发做成的装饰耳环到巧克力奶头,再到引诱你的爱人去舔你脚趾的趾间糖果。(笑声)

这些设计都非常漂亮,因为不知为何,这都是设计的一个华丽瞬间。很多年前,我听说了一位维也纳的叫Marchetti的数学家,他解释了在军事生产部门的创新是秘密的创新。而这一创新和民间创新就像两条相反的正弦曲线。这是有道理的,在战争年代,技术创新层出不穷。但是在物资匮乏的社会里,比如在二战时期,你得面对没有钢铁没有铝的情况。而当和平来了,所有的这些技术突然一下子都可以被民间市场所利用了。你们中的很多人可能听说过Charles和Ray Eames设计的土豆片椅子,它正是其中一个例子。玻璃纤维也突然就得到了民用。

我想这是一个奇怪的时刻。正弦曲线的周期性发生了巨大的变化,就如同我们的生活节奏在过去的25年也有了巨变一样。因此我不再确信波长是多少。但这却真的是设计的一个非常重要的时刻- 计算机技术不仅使得开放资源在设计界中成为可能,而且还有可持续性的理念。不仅仅是关于二氧化碳排放以及发展观点得出的可持续性,还有人类相互关系的可持续性。这已成为现在很多设计家工作的一部分。这也是为何设计家们越来越多地关注由设计带来的行为改变,而非物品本身。特别是优秀的设计家们,并不是说所有的设计家都是如此。

我想让你们看看,Mathieu Lehanneur的作品,非常奇特。他是另一位来自法国的年轻的设计家,他现在和制药公司合作,设计新的方法让病人们特别是小孩们能持续确定地吃药。

举例来说吧,这是一个装哮喘药的漂亮瓶子,当到你该吃药的时候,它就会自动地膨胀开来。这样孩子就会去打开药瓶。而另外这个药是可以让你在身上作画的。皮内的传输让你很快乐地参与到这种特别的传输过程中来。相似地,和Marti Guixe一样,有很多设计品试图让你参与其中,并且让所有的东西都从你嘴里进入。因此你可以通过口服尝到犯错的滋味。

我要做的下一个展示是关于设计和科学间的关系的。我试图寻找的并非隐喻而是共识类的普遍性的:当前的共同问题,当务之急。而我认为这一点能使我们在设计的理念上走的更远。使得设计成为一种启迪,一种方向而不是一种关于形式的指示。

同时我也希望你们都能对此做出响应。我已经向你们其中一些人发送了邮件。我们可以从不同的层面上去以形象化的方式展现二者的魅力。这需要从很小的工作做起,只有这样才能做出伟大和有意义的事情。谢谢!

尖峰盘点: 奥地利电子艺术节(ARS Electronica)

本周我们介绍了(Golan Levin),2000年,他在奥地利林兹电子艺术节,运用麻省理工学院媒体实验室研发的数字声音视觉环境组件,创作了混合影音的作品《涂鸦》,引发全场震撼。此后,编辑也发现,用管子创造新式生命的荷兰艺术家西奥·詹生(Theo Jansen)也把他的作品带到了奥地利林兹电子艺术节的现场。

这些发现促使我们开设了“尖峰盘点”这一新栏目,今后将在这个栏目中介绍TED演讲人经常出没的同类活动,也将介绍与TED精神和风格相似的活动和机构。这一次为大家介绍于欧洲美丽古城林兹(Linz)举办的奥地利电子艺术节(ARS Electronica)。同时,也提醒大家,2009年的电子艺术大奖(Prix Ars Electronica)报名截至日期已经延迟至3月18日。有兴趣的朋友请抓紧时间报名。


Flickr上的林兹夜景视频

奥地利电子艺术节(ARS Electronica)是一个国际顶尖的科技艺术家在一起竞技、交流的盛会。自1979年在林兹创立以来,每年都在那里举办。很多人都认为奥地利电子艺术节是世界上科技艺术的最高展会。

奥地利电子艺术节展示了世界科技艺术的最新发展。它密切关注着艺术,科技和人类社会的发展和这三者间的相互联系,相互影响。奥地利电子艺术节的宗旨是展示一些对人类社会产生,或者可能产生重大、长期影响的艺术和科技。同时,奥地利电子艺术节也致力于研究、发展和普及科技艺术。

成立30年以来,奥地利电子艺术节不断地在发展,改变:1987开始颁发电子艺术大奖(Prix Ars Electronica);1996年成立了未来艺术实验室(Ars Electronica Futurelab)。现在奥地利电子艺术节已经成为一个研究、发展和展示数字艺术和媒体文化的国际平台。

这个平台包括四个部分:

1. 艺术节(Ars Electronica Festival),即原奥地利电子艺术节的年会。

艺术节每年都有一个主题,最近几年的主题是:

2005 混杂–活在一个吊诡的年代(HYBRID – Living in a paradox )
2006 简约–复杂的艺术(SIMPLICITY – the art of complexity )
2007 隐私的终结–欢迎来到一个无畏的新世代(GOODBYE PRIVACY – Welcome to the Brave New )
2008 新文化经济–知识产权的局限(A NEW CULTURAL ECONOMY – The Limits of Intellectual Property)

2. 电子艺术大奖(Prix Ars Electronica)

奥地利电子艺术节的电子艺术大奖经常被称作“电子艺术的奥斯卡奖”(Oscar of computer art)。这个大奖下设如下的几个分类。

电脑动画/ 电影/ 视觉特效(Computer Animation / Film / VFX )
奖励艺术和科学领域内的独立创作,以及电影、广告和娱乐业中的高端商业制作。该单元对于艺术原创性与技术成就同样重视。

互动艺术(Interactive Art)
涵盖从装置到行为的一切互动作品。主要评判标准包括互动元素在开发和设计上的艺术品质,以及作品内容与互动性。

数字音乐(Digital Musics)
包含各种当代数字声音制作,此外也包括综合了声音与其他媒介的作品、电脑音乐、电子原音音乐、实验音乐,以及声音装置。

混杂艺术(Hybrid Art)
专为今日媒体艺术领域的混合、跨学科实践所设。该单元强调对不同媒介以及类别的融合,并从中生成新的艺术表达形式。

数字社群(Digital Communities)
旨在奖励具有创造性和艺术性的线上社群,关注互联网在社会以及艺术层面造成的广泛影响,以及社交软件、隐在电脑、移动通讯以及无线网络领域的最新发展。该类别对全球各地试图利用数字技术完善社会、承担社会责任的各类项目(社会、文化、艺术)、倡议组织和群体开放。

U19自由计算 (U19-Freestyle Computing)
U19自由计算是奥地利最大的面向青少年的电脑竞赛。她自1998年起成为奥地利电子艺术节的组成部分。这项竞赛鼓励青少年运用电脑创作和设计各类作品。

“未来创想” 艺术科技特别奖([The Next Idea] Art and Technology Grant
这个奖金为7,500欧元的奖项,用来奖励具有远见富有创新的艺术科技创作者。只要年龄超过19岁,拥有尚未制作成型的艺术概念的创作者,均可以申请这个奖项。获奖者除了奖金外,还有机会在未来艺术实验室(Ars Electronica Futurelab)学习3个月。

媒体·艺术·研究奖(Media·Art·Research Award)
电子艺术大奖专门设立了一项研究项目,以5000欧元(约5.2万人民币)的金额奖励一部以互动艺术形态为主体的杰出理论著作,旨在促进对于媒体艺术形态的学术研究。该奖项2007为Florian Cramer,2008年的获奖者为Arjen Mulder

电子艺术大奖是对数字媒体领域中的创新与先锋精神最重要的认可之一。每年有来自超过七十个国家的国际级艺术家参与电子艺术大奖,令它成为当代媒体艺术走向的晴雨表。自1987年以来,向大奖提交的艺术作品总数已达37,542件,2008年,大奖的奖金金额总数高达11.5万欧元(合约121万人民币),为全球数字艺术奖项之最。

维基百科赢得了2004年度电子艺术大奖数码社区分类的唯一金奖。值得中国人骄傲的是,多背一公斤赢得了2008年度电子艺术大奖数码社区分类的唯一金奖


香港Keith Lam的作品“左左右右馬力歐”获得2008年该奖项互动艺术组荣誉提名奖。

3. 奥地利电子艺术中心(Ars Electronica Center)

这个中心是一个博物馆,是一个“未来艺术的博物馆”(Ars Electronica Center – Museum of the future)。这个博物馆主要收藏的是数码艺术和媒体艺术的优秀作品。这个中心现在也成为一个奥地利电子艺术节的活动中心。

4. 未来艺术实验室(Ars Electronica Futurelab)

这是一个结合艺术,科技和社会的跨学科研究项目。这个实验室向世人展示了艺术和科技是可以如何相互促进的。这个实验室里也有大量艺术和工程的展品。

相关链接:

奥地利电子艺术节(ARS Electronica)官方网站 http://www.aec.at

电子艺术大奖2008年中文网页

2008年评委Isaac Mao文章: 《PRIX Ars Electronica 奥地利电子艺术节国际大奖赛

2007年电子艺术大奖交互艺术类别获奖者Bernie Lubell的演讲(中文)

香港Keith Lam获电子艺术大奖(Prix Ars Electronica)荣誉提名奖作品“左左右右馬力歐

插图照片:

本文插图照片选用Flickr上标注CC协议的照片,自上而下作者分别为:AlexhealingPablosanzMagrolinoLarifon

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维克·穆尼斯:从垃圾中提炼艺术

今天我们为大家介绍一位专门从事“垃圾创作”的艺术家,没错,这位艺术家就是以垃圾为素材进行创作的!他的名字是维克·穆尼斯(Vik Muniz),原籍巴西,后来移居美国。去年的广州三年展上曾经展出过他的几件名为《垃圾摄影》的作品,相信去过的朋友也还有一定的印象。

维克·穆尼斯,《垃圾摄影》

维克·穆尼斯,《垃圾摄影》

维克·穆尼斯,《垃圾摄影》

(以上三则图片源自艺术国际的网站)

穆尼斯的创作素材多为丝线、糖浆、泥土、绿豆、辣椒,以及其他琐碎的日常用品。就是用这些非常简单的东西,穆尼斯就创作出非常漂亮的艺术品(至少那些作品把我们的眼睛欺骗了)。当然,要创作这样的艺术品还是挺花时间的,《华盛顿邮报》报道说,穆尼斯创作第一副《垃圾摄影》所用的时间是六个月。他和助手先是到里约日内卢的街上捡垃圾,而后回到工作室用他的妙手(当然还有神思)以那一大堆的垃圾为原材料创作出他的艺术。最后还要爬上40英尺高的台阶,用高分辨率的相机把作品拍下来。我们看到的,就是那个拍出来的照片。

末了,要是你在 Facebook 的话,可以访问维克·穆尼斯:百闻不如一见小组,成为穆尼斯的粉丝,也学一点从不同的视角看世界的方法 :-)

参考阅读

ART REVIEW; It’s a Leonardo? It’s a Corot? Well, No, It’s Chocolate Syrup

题图照片:

左图:来自演讲视频截屏。
右图:来自Flickr,由andy z上传于2005年11月2日,原作者选用的CC协议为”署名-非商业性使用-相同方式共享“。

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阿瑟·冈森:舞蹈的机器

大家有没有看过会活动的雕塑?或者是用机器做出来的艺术品?我们今天就来认识这么一位热衷于搞机器艺术的家伙:

阿瑟·冈森(Arthur Ganson)毕业于美国新罕布什尔大学,他学的是艺术。由于他本人自小就非常喜欢制作东西,他就选择了一条既能让事物呈现出美感又不失其逻辑性的创作思路,他决定要用机器来做艺术品。他把自己的创作称为“手势工程”(英文是 gestural engineering,至于其确切含义,就由各位自己去揣摩吧)


YouTube – Arthur Ganson: Sculpture that’s truly moving

冈森做过一个叫“科里的椅子”(Cory’s Chair)的机械装置,我们从演讲视频中可以看到,那是一张椅子(其实只有8英寸),被一个很复杂的机器臂牵制住,机器一动,就会出现“八马分椅”,本来完好的椅子转瞬之间就化为八块。又一转瞬,机器臂又把椅子合在一起了。《大西洋月刊》上 Harvey Blume 的一个文章对此解释说,“撕裂的椅子就代表此刻,它只是一瞬,你刚看到它是什么样子的时候,它就已经消失了。“

冈森在谈及他制作的机器时这么说,“机器身上所体现的这一切,包括脆弱、悲哀、喜悦、恐惧以及惊讶都是最初让我决定去做雕塑的原因。“他在接受《纽约时报》的采访时这么说:

计算机可以做很多事情。但是你为何要做那些事情?你需要通过那样的事情说明什么吗?在我看来,技术的作用就是帮助你去做这样或那样东西,但是我们自己首先必须有一个想法。技术是一个工具,应用它可以改造世界。但是我们还得先有想法,毕竟技术本身并非目的。

冈森做机器雕塑到底要想传递一个怎样的信息?这个问题不好回答,还是大家自己去找答案吧。相信后面的这些链接会对你有所帮助。

参考阅读:


Gestural Engineering: The Sculpture of Arthur Ganson

Critical Eye, from The Atlantic(这个文章写得比较有深度,值得仔细阅读)

Technical Art That Exalts Ideas, from New York Times

Machine Age

Arthur Ganson’s YouTube Channel

题图照片:

左图:来自演讲视频截屏。
右图:来自Flickr,由Brendan Adkins上传于2008年3月4日,原作者选用的CC协议为”署名“。

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艺术治疗:你所不了解的职业培训

这周我们的“今日TED演讲”的主题名称为“TED经典一刻”,我们将介绍几个TED 现场的一些经典场面、富有感染力的演讲。今天介绍的是比尔·斯特里克兰,从他的演讲中,你可以重新审视自己对职业培训的看法。

比尔·斯特里克兰(Bill Strickland)是1996年MacArthur 天才奖得主之一。他成长于1960年代的美国匹兹堡,而那时正是种族主义横行的时期。有一天,正在上高中的斯特里克兰走到一个街口,看到一位艺术家在做陶瓷艺术品。斯特里克兰以前还从未看到过如此美丽的东西,他叫那位艺术家教他做陶艺,于是此后的两年里,斯特里克兰花了大量的时间学习陶艺。

当斯特里克兰还在上大学的时候,他就搞了一个叫曼切斯特手工艺术作坊(Manchester Craftmen’s Guild)的培训机构,主要是为那些被社会遗弃的年轻人提供一些实用技能的培训,以帮助他们更好的走入社会。

1972年,斯特里克兰又做了一个叫彼得威尔培训中心(Bidwell Training Center)的职业培训机构。


彼得威尔培训中心:烹饪培训及作品


彼得威尔培训中心:陶艺培训及作品

在2002年的TED演讲中,斯特里克兰反复强调说,只有当你把世界一流的艺术展现给年轻人,让他们在世界一流的环境里学习,他们的聪明才智才能得到最大的发挥。我们平日所讲的失足青年,其实他们所缺乏的是一种精神上的陶冶,而要医治这样的心灵上的癌症,斯特里克兰开出的药方是:喷泉 + 阳光 + 食物 + 爱 + 信心。 为什么需要这些呢?斯特里克兰说,假如你想看到一个人在行为上发生改变,你首先要改变他们认识自己的方式,要让他们认识到自己也可以做出非常漂亮的陶艺,也可以做出一流的食物,也可以做很多有价值的东西。

斯特里克兰的这种做法得到了业界的认同。他开始为培训中心添加计算机房的时候,所有的电脑都是惠普送来的,因为他成功说服惠普说,彼得威尔培训中心是惠普展现新产品的极佳的试验场。还有,在艺术教化的理念指引下,培训中心还设有专门的音乐厅(也是世界一流的),有很多著名的音乐家都到那里录制过唱片,其中就包括 Joe Williams,他生前的最后一张唱片就是在彼得威尔培训中心录制的。

斯特里克兰 TED 演讲视频

斯特里克兰通过幻灯片走到各地去讲述这些故事,积极联系和沟通不同领域的人士,以获取他们的支持,并且乐此不疲。彼得威尔培训中心还曾迎来了老布什总统、希拉里夫人等政界要人。斯特里克兰本人也曾担任美国政府艺术教育委员会的顾问。人们不仅为斯特里克兰的培训机构所鼓舞,更是被斯特里克兰本人的执着与坚持所打动。

延伸阅读:

关于斯特里克兰以及彼得威尔培训中心的简介(英文)

FastCompany快速公司杂志网站2008年9月11日关于斯特里克兰的文章Genius at Work(英文)

华德福教育豆瓣小组

艺术治疗联盟豆瓣小组

题图照片:

左图来自Flickr上的比尔·斯特里克兰照片,由chascow上传于2008年9月11日,原作者选用的CC协议为“署名”。

右图来自Flickr上的照片,由VernissageTV Didier Didier上传于2006年11月11日,原作者选用的CC协议为“署名-非商业用途-相同方式共享”。

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